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Call For Participation

An International Symposium on Nonlinear Digital Storytelling
Concordia University, Montréal (13-15 May 2011)

Please note that a revised call for participation with an extended deadline has been published.

We’re currently responding to some excellent ideas and feedback and will also be announcing the participation of some outstanding artists and scholars. Confirmations so far include Marsha Kinder (USC), Adrian Miles (RMIT), Kat Cizek (NFB Filmmaker in Residence), Steve Anderson (USC), and David Clark (NSCAD).

Confirmed Keynotes: Florian Thalhofer (Berlin) – artist and inventor of the Korsakow System

Reflecting recent developments in the theories and practices of new media production, described variously as database documentary, interactive narrative, and experimental archiving, D>N<A seeks to highlight some of the most important issues and ideas currently characterizing this emerging discourse – and perhaps constitutive of a future, core set of properties or dynamics.

Contemporary works that characterize these developments, by genre, include: fictional narrative (eg Switching, Late Fragment); experimental (Klatsassin; Soft Cinema); documentary (The Thousandth Tower; Gaza/Sderot; 7 Sons; St. Michael’s Hospital; The Whale Hunt; Folk Songs for the Five Points); and, archival (Life after Wartime; The Danube Exodus; Tulse Luper Suitcases)

This interdisciplinary symposium will bring together theorists, scholars, artists, curators and programmers, currently working in these and related areas for panel presentations, roundtables, screenings, a Korsakow workshop, and an exhibition, in a three-day event of discussions, creative exchange and debate. We also aim to stimulate and provoke creative/productive community engagements before, during, and after the symposium and will therefore be involving individuals and organizations in several activities that lead into the symposium and grow out of it.

As a guide, we welcome proposals addressing the following areas, but also invite other proposals of potential relevance:

- critical engagements with existing works and/or artists

- theoretical engagements with authorship, interactivity, databases and multimedia archives

- historical precursors (multi-screen cinema; choose your own adventure)

- genres: fictional narrative; experimental; documentary; archival

- critiques of commercial practices (eg Second Story; Terra Incognita)

- the potentials and limitations of specific authoring and delivery platforms (eg Flash, Korsakow, HTML 5)

- visual aesthetics and electronic literature

- exhibition, distribution and alternative forms of circulation

- future potentials (mobile applications, haptic screens, voice- and movement-activated interfaces, iPad, HTML5, expressive type)

Proposals (email only, with plaintext, Word, or PDF attachments only) and expressions of interest should be sent to Matt Soar or Monika Kin Gagnon at [enkode][/enkode]. Please tell us in 500 words what ideas, research, and/or creative work you’d like to present at the symposium. It can be work in progress, but should be sufficiently advanced by May 2011 to be presentable. Add a final paragraph explaining who you are, what you do, and where we can contact you. The initial deadline is August 31, 2010. Deadline extended; more news very soon!

D>N<A is being organized by CINER-G, the Concordia Interactive Narrative Experimentation & Research Group. For more information, updates and amendments to this CFP, please visit:

Thalhofer On Location In Istanbul

Florian Thalhofer, Berlin-based media artist, CINER-G collaborator, and inventor of the Korsakow system, is on location in Istanbul for the month of April where he is video blogging and composing his next K-film, A Bridge In Istanbul. In association with ARTE Television and the ‘Istanbul – A cultural meeting place’ project, Florian is filming from the Galata Bridge, where he is capturing the cultural memory of this important crossing that spans the Golden Horn. In celebration of Istanbul as the 2010 European cultural capital, the vlog captures the stories, anecdotes and reflections on the significance of the Galata Bridge as central monument and symbol of the city.

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Videos, photos and commentary are available in on the vlog site in French and German. Florian will also create a “Director’s cut” of his K-film, a linear version that will include parallel storylines and anecdotes, to be televised by ARTE. The web site for the project will also include opportunities for users to upload their own videos and stories of Istanbul to create a crowdsourced-film and contribute to the celebration of this vibrant city’s cultural heritage and daily life.

NYT’s Bits Blogger on Digital Storytelling

Nick Bilton, lead writer for the New York Times’ Bits blog, presents his thoughts on how digital media has resulted in a “new form of storytelling” at the recent Pop!Tech event. He tells us that from video games to the internet, and from dumb media to smart content, new technologies and a culture of media multitasking have brought forth “a new generation of how we’re communicating and telling stories”.

Bilton has been with the NYT since 2003 and touches on some of the research and development work the news giant is doing in its lab (Bilton is the design integration editor in the R&D lab and newsroom). As the media landscape and technology advances continue to change the way news is produced and consumed, Bilton shows the visualization research that the Times is testing, which dynamically plots mobile device and home computer readership of the NYT web site on a map of the United States. The next step is attempting to correlate it to the actual content or news article that a reader is accessing, creating not only a powerful infographic but an impressive and interactive dataset as visual narrative. Another interesting concept he explores is the idea of smart content, which would, in theory, be able to intelligently map one’s personal reading activity across devices. So, if you’ve read a particular article on your laptop in the morning while having coffee, it would be hidden on your mobile phone interface when you continue your reading on the commute to work, saving valuable display space to improve and customize the experience accordingly.

Whether designing for the 1, 2 or 10-foot experience, “it’s all just storytelling”, notes Bilton, and he continues through the presentation to demonstrate both historical and, more particularly, future-looking technologies as part his work in the lab to “look two to ten years out” and as context for his upcoming book, I Live in the Future: & Here’s How It Works.

Bilton is also a designer, user interface specialist and co-founder of NYC Resistor, a Brooklyn-based hardware hacker space and self-proclaimed geekdom.



Les trames narratives numérique selon le blog Bits du NYT

Nick Bilton, l’auteur principal du blog Bits publié dans le New York Times, a fait part de son opinion lors du récent évènement Pop!Tech sur le rôle qu’ont joué les média numériques dans la création d’une « nouvelle forme de trame narrative ».  Qu’il s’agisse des jeux vidéos ou de l’internet, ou encore de média simplistes ou de contenu intelligent, il explique l’influence qu’ont eu les nouvelles technologies et la culture multimédia sur la création « d’une nouvelle génération dans la manière de communiquer et de raconter des histoires ».

Bilton est affilié au NYT depuis 2003 et adresse certains des travaux en recherches et développements effectués par le journal dans son labo (Bilton est l’éditeur d’intégration/design du labo en R&D et de la salle de presse).  Alors que les avancées technologiques et le paysage médiatique ne cessent de changer la manière dont les nouvelles sont produites et consommées, Bilton présente la recherche en visualisation testée par le Times; celle-ci illustre de manière dynamique sur une carte géographique des États-Unis la consultation du site web du NYT à partir d’ordinateur personnel ou d’appareil électronique portable.  La prochaine étape visera à créer une corrélation avec le contenu ou l’article que l’utilisateur est en train d’accéder, ce qui permettra de créer une puissante ‘infographique’ ainsi qu’une impressionnante collection de données interactives formant une narrative visuelle. Il explore aussi un autre concept intéressant, celui du contenu intelligent qui pourrait, en théorie, schématiser les activités de lecture d’une personne et ce peu importe l’appareil utilisé. Donc, si vous lisez un article à partir de votre portable le matin en prenant votre café, ce dernier sera caché sur votre interface de téléphone cellulaire lorsque vous poursuivrez votre lecture en vous rendant au travail, améliorant ainsi votre expérience en personnalisant votre contenu et sauvant l’espace de présentation.

Peu importe qu’on design pour une expérience de 1, 2 ou 10 pieds, “ce ne sont que des trames narratives”, explique Bilton alors qu’il continue sa présentation en démontrant à la fois les technologies historiques et futuristes faisant partie de son travail au laboratoire.  Ces dernières lui permettent de voir « deux à dix ans en avance » et servent aussi de contexte pour son livre I Live in the Future: & Here’s How It Works.

Bilton est aussi un designer, un spécialiste de l’interface utilisateur et le co-fondateur du NYC Resistor, un espace situé à Brooklyn pour les hackers et les ‘allumés’ de l’informatique.

Interview: Katerina Cizek

What happens when documentary ventures outside traditional definitions and conventions? When directorial vantage point gives way to experiment and collaboration? Where media meets medicine?  These are some of the questions that informed my recent interview with Katerina Cizek, the National Film Board of Canada’s Filmmaker-in-Residence.

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The 7 Interventions of a Filmmaker-in-Residence, recently released as a DVD box set by the NFB, is a compelling approach to documentary that mobilizes digital storytelling as a powerful tool for social action. The project reconfigures the documentary genre and chronicles Cizek’s groundbreaking work in what she describes as “interventionist media” at St. Michael’s, an inner city hospital in Toronto, where Cizek spent nearly five years embedded as filmmaker-in-residence. The resulting work is nothing short of a multimedia juggernaut and includes several films, a photo exhibit, a filmmaker’s blog, and a web documentary that exemplifies non-linear narrative and the possibilities it represents to tell the stories of real people and create real change.

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Rather than a conventional mandate, Cizek proposed a more innovative approach where the medical interventions pursued would be a collaborative process, where ideas could come from anywhere—doctors, nurses, administrators, and, importantly, participants. “There would be no ‘us’ and ‘them’,” she emphasized. This was a process based on partnership, involvement and strategy with her medical colleagues, conceived together and knowing that each intervention would be an experiment that would evolve as the stories unfolded, allowing the voices, experiences and struggles to emerge. In Cizek’s words, “it was about documentary in its truest spirit of inquiry”.

Cizek drew from her experience with video advocacy and her background in human rights documentary, including her work on the film Seeing is Believing, which she co-directed with Peter Wintonick. For Cizek, the opportunity was to expand on what the NFB’s Challenge for Change had achieved in the 1960/70s by investing video advocacy models and interventionist research methods with the possibilities of new technologies. There was no specific set agenda. Projects emerged collaboratively and documentary was a method to discover new knowledge, new approaches and innovations that would contribute to interventionist research. As filmmaker-in-residence, Cizek was not there to simply observe and record, but was a full participant and part of the process of intervention.

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One of the films, The Interventionists, documents Cizek’s collaboration with Toronto’s Mental Health Crisis Team, where she spent more than 80 hours shooting vérité documentary, accompanying a police officer and psychiatric nurse who are deployed to 911 calls of those in mental distress or at risk of suicide. Through compassion, care and talk the team would counsel distressed people to deescalate situations and keep those that felt alienated by the hospital system at home in their community. The film has since been screened at the World Psychiatric Association conference and is now part of metro Toronto police officer training and has inspired other jurisdictions to adopt the mental health and police partnership model.

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Part way through the process Cizek wrote a Manifesto to detail the guiding principles that informed her work. It also served an important role to help educate people about a different way of doing documentary, yet communicate the approach as legitimate documentary practice. “It helped me to explain what we were doing. That we were experimenting and innovating, learning from people about their concerns and that learning together was part of the process,” she explains.

Cizek also spoke of the important precursors that influenced her work and the role of new media and technology. “We are experiencing a huge digital revolution. Seeing Is Believing documents the birth of the handycam, a technology that democratized the landscape making the tools accessible; changing media and changing documentary forever,” said Cizek.

What’s next for Cizek?

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The traces of Filmmaker-in-Residence are clearly evident in her next work and ongoing commitment to non-linear narrative that mimics human interaction much more closely than conventional documentary approaches. Her newest project, Highrise, a multi-year, multi-media documentary project about the human experience in global vertical suburbs, draws from the innovative, collaborative and interventionists approaches trialed in the first project yet at a much broader scale. From the trailer we learn that it will feature “ten towers in ten suburbs in ten of the world’s most unlikely but growing cities” to collaborate and tell the stories of those living in “the concrete containers of urban life”. When I asked Cizek about this latest work, her passion for the project and for the possibilities extended by new technologies were immediately clear. “There’s something unnatural about a linear narrative feature length documentary. How do you tell the stories much more like the way we actually communicate?” she noted, and went on to explain Out My Window, part of the project shot with a new camera and panoramic technology that will feature 360 degree views from select floors of each highrise depicting the point of view of the resident, telling their story with people looking out from their own places. “There’s a humanity and intimacy; it’s emotional but respectful. This is how we actually communicate. It’s the way we learn about each other and come to better understand each other,” she states.

Out My Window is slated to launch spring 2010. Other Highrise multimedia documentary projects are underway and will roll out organically over the next few years.

All images copyright © 2010 National Film Board of Canada



Interview: Katarina Cizek

Qu’arrive t-il lorsque le documentaire s’éloigne des conventions et définitions traditionnelles?  Lorsque le point de vue du réalisateur permet l’expérimentation et la collaboration?  Lorsque les médias rencontrent la médecine?  Ces questions sont à la base de ma récente entrevue avec Katerina Cizek, la ‘Filmmaker-in-Residence’ de l’Office National du Film du Canada.

The 7 Interventions of a Filmmaker-in-Residence, qui a récemment été rendu disponible par l’ONF sous forme de coffret DVD, représente une approche fascinante du documentaire qui utilise les trames narratives numériques comme puissants outils de changement social.  Le projet redéfini le genre du documentaire et est une chronique du travail innovateur de Cizek dans ce qu’elle décrit comme étant du « média interventionniste » à l’hôpital St-Michael de Toronto où Cizek y a été intégrée pendant près de cing ans en tant que filmmaker-in-residence.  On peut décrire de colosse multimédia le travail en découlant qui inclut plusieurs films, une exposition photo, un blogue de la réalisatrice, et un documentaire web qui est un excellent exemple de trame narrative non-linéaire et des possibilités de raconter les histoires de vraies personnes et de créer de réels changements.

Au lieu d’un mandat conventionnel, Cizek a proposé une approche plus innovatrice où les interventions médicales seraient un processus collaboratif et où les idées pourraient venir de n’importe où – des docteurs, infirmières, administrateurs et participants.  Elle met l’emphase sur le fait qu’ « il n’y aura pas de ‘nous’ ni ‘d’eux’ ».  Il s’agissait d’une approche se basant sur un partenariat, une implication et une stratégie avec ses collègues médicaux, conçue de manière collaborative tout en sachant que chaque intervention serait une expérimentation qui évoluerait au fur et à mesure que les histoires se dérouleraient, permettant ainsi aux voix d’émerger au gré des expériences et conflits. Cizek explique dans ses propres mots : « c’était du documentaire dans son esprit d’enquête le plus pûr ».

Cizek s’est inspiré de son expérience avec les ‘plaidoyers vidéos’ et les documentaires touchant aux droits de l’homme, notamment son travail sur le film Seeing is Believing, qu’elle a co-réalisé avec Peter Wintonick.  Pour Cizek, il s’agissait d’une excellente opportunité de poursuivre ce que le programme de l’ONF Challenge for Change a commencé dans les années 1960/70 en alliant le modèle du ‘plaidoyer vidéo’ et les méthodes de recherche interventionnistes avec les possibilités des nouvelles technologies.  Il y avait aucun but préétablit; les projets sont apparus de manière collaborative et le documentaire était une manière de découvrir de nouvelles connaissances, de nouvelles approches et innovations qui contribueraient à la recherche interventionniste.  En tant que filmmaker-in-residence, le rôle de Cizek n’était pas de simplement observer et enregistrer ces observations, mais aussi d’agir en tant que participante à part entière et à jouer un rôle actif dans le processus d’intervention.

Un des films, The Interventionists, documente la collaboration de Cizek avec le Toronto’s Mental Health Crisis Team avec qui elle a passé plus de 80 heures à tourner des images documentaires de type cinéma vérité en accompagnant un policier et une infirmière de l’unité psychiatrique lors d’appels 911 ayant trait à des cas de détresse mentale ou de risques de suicide.  En utilisant la compassion, l’équipe conseillait les personnes en détresse afin de minimiser les situations problématiques et permettre à ceux qui se sentaient aliénés par le système hospitalier de rester dans leur communauté.  Depuis, le film a été projeté lors de la conférence du World Psychiatric Association et fait maintenant partie de l’entraînement des officiers des forces policières de Toronto.  Le film a aussi inspiré d’autres juridictions à adopter le modèle de partenariat entre la police et le personnel spécialisé en santé mentale.

Durant le processus, Cizek a écrit un manifeste détaillant les principes fondateurs qui influencent son travail.  Ce dernier a aussi joué un rôle important dans l’éducation des gens sur les formes de documentaires tout en communiquant cette approche comme étant une pratique légitime.  Elle explique : « Ça m’a aidé à expliquer ce que nous faisions. Le fait que nous expérimentions et innovions, tout en découvrant les préoccupations des gens et apprenions ensemble faisait partie du processus ».

Cizek mentionne aussi les précurseurs qui ont influencé son travail et le rôle que joue les nouveaux média et la technologie.  Elle affirme : « Nous sommes au cœur d’une énorme révolution numérique.  Seeing Is Believing documente la naissance des caméras vidéo compactes, une technologie qui a permis une certaine démocratisation en rendant cet outil accessible, ce qui a changé a jamais les média et le documentaire ».

Que réserve l’avenir pour Cizek?

L’influence de Filmmaker-in-Residence est évidente dans son prochain projet et sa dévotion constante aux trames narratives non-linéaires qui représentent mieux l’interaction humaine que les approches documentaires plus traditionnelles.  Son nouveau projet, Highrise, est un documentaire multimédia étalé sur plusieurs années se penchant sur l’expérience humaine dans les banlieues verticales globales et se basant sur les approches innovatrices, collaboratives et interventionnistes testées lors du premier projet, mais utilisées cette fois sur une bien plus grande échelle.  La bande-annonce nous informe qu’on nous présentera « dix tours de dix banlieues dans dix des villes mondiales ayant eu une croissance inattendue ».  Les histoires des gens vivant dans ces « contenants en béton de la vie urbaine » seront racontées en utilisant un principe collaboratif.  Lorsque j’ai parlé à Cizek de ce projet, sa passion pour celui-ci et pour les possibilités des nouvelles technologies prenait une grande place.  Elle note : « les longs métrages documentaires linéaires ont quelque chose de pas naturel.  Comment pouvons-nous raconter les histoires d’une manière plus semblable à comment nous communiquons? »  Elle parle de Out My Window, une partie du projet tourné à l’aide d’une nouvelle caméra et d’une technologie panoramique qui permettra d’inclure une vue de 360 degrés de certains étages de chaque gratte-ciel, représentant ainsi le point de vue des résidents, racontant leurs histoires alors que les spectateurs visionnent le tout de l’extérieur de leurs résidences.  Elle affirme : « Il y a une certaine humanité et une intimité; c’est émotionnel, mais respectueux.  C’est la manière dont nous communiquons. C’est comment nous en apprenons plus et comprenons les autres ».

Out My Window sera lancé au printemps 2010.  Les autres projets du documentaire multimédia Highrise sont en cours et sortiront au fur et à mesure qu’ils seront produits durant les prochaines années.

Toutes les images sont un copyright © Office National du Film du Canada

Korsakow Workshop a Resounding Success

Intrepid filmmakers gathered recently at Concordia for a two-day Korsakow workshop. Varying in level of experience and filmmaking know-how, the group of ten experimented with the Korsakow software and put their creativity to the test. The workshop was facilitated by Maude Michaud, MA student in the Media Studies program at Concordia and independent filmmaker and photographer. Maude led the nine participants through detailed instruction on how to use the Korsakow software, from importing media files, through assigning relevant keywords, customizing the interface “main stage” and previews, and playing with flows and relations among clips. We also learned a thing or two about about preparing our media files in advance, an important first step!

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K-films produced included a travel retrospective, a compilation of archival and interview footage on Expo 67 related to Monika Kin Gagnon’s ongoing research and, among others, a compelling riff on the cultural mythology of an impending 2012 apocalypse. Needless-to-say, the creative and conceptual possibilities of Korsakow were well explored.

From first-timers to more seasoned Korsakowians, everyone emerged with a solid understanding of the software, tips and tricks, and the potential Korsakow puts at a filmmaker’s fingertips. The group was even inspired to personify the experience in a highly-anticipated K-film called Korsakow Theatre soon to be released with the full fanfare of a red-carpet premiere(!).

This is the first Korsakow workshop held since version 5.0 was launched last summer, which marked a complete redesign and development of the software. It was also a great venue to gather user experience and technical feedback that will continue to be integrated in future releases. The latest version of the open-source software can be downloaded here.

More workshops will be schedule and anyone interested in participating can contact us at



L’atelier Korsakow: un succès éclatant!

Des cinéastes intrépides se sont récemment rassemblés à Concordia pour un atelier Korsakow de deux jours. Ayant tous différents niveaux de connaissance et d’expérience cinématographique, les dix participants ont expérimenté et testé les limites de leur créativité à l’aide du logiciel Korsakow. L’atelier était dirigé par Maude Michaud, une étudiante à la maîtrise dans le programme Media Studies à l’université Concordia et une photographe et cinéaste indépendante.  Maude a donné aux participants des instructions détaillées sur l’utilisation du système Korsakow, incluant l’importation de fichiers média, l’assignation de mots clés, la modification de l’interface du ‘main stage’ et des ‘previews’, et l’expérimentation avec l’ordre et les relations entre les clips. Nous avons aussi appris l’importance de bien préparer nos fichiers média à l’avance, ce qui devrait être la première étape de tout projet!

Parmi les K-Films produits, on retrouve la rétrospective d’un voyage, une compilation d’entrevues et d’images d’archive sur Expo 67 qui est en lien direct avec la recherche en cours de Monika Kin Gagnon, ainsi qu’une intéressante exploration de la mythologie culturelle entourant l’apocalypse imminent de 2012. On peut donc dire que les possibilités créatives et conceptuelles de Korsakow ont été très bien explorées.

Qu’ils soient des utilisateurs novices ou des Korsakowiens habitués, les participants en sont ressortis avec une solide compréhension du logiciel, des trucs et astuces, ainsi qu’une meilleure idée de tout le potentiel que Korsakow a à leur offrir.  Le groupe a aussi été inspiré à personnifier leur expérience en créant un K-film intitulé Korsakow Theatre qui sera bientôt rendu disponible avec toute la gloire d’une première sur tapis rouge(!).

Il s’agit du premier atelier Korsakow depuis le lancement de la version 5.0 l’été dernier, suite à un redéveloppement et un ‘redesign’ complet du logiciel.  Il s’agissait aussi d’une bonne opportunité pour amasser des commentaires et suggestions des utilisateurs ainsi que des feedbacks techniques qui pourront être intégrés dans les futures versions.  La dernière version de ce logiciel de type ‘source ouverte’ peut être téléchargée ici.

D’autres ateliers auront lieu et toute personne intéressée à y participer peut nous rejoindre à l’adresse suivante:

Featuring: The Whale Hunt

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The Whale Hunt is a human storytelling experiment as described by artist Jonathan Harris. This remarkable interactive narrative features 3,214 photographs that document the thousand-year-old tradition of the whale hunt by the Inupiat. In May 2007, Harris spent nine days living with an Inupiat family in Barrow, Alaska. The Whale Hunt chronicles Harris’ intrepid journey taking a photo every five minutes (including while sleeping using a chronometer) starting with stepping into the taxi in Brooklyn, NY and finishing with the butchering of the second whale. The five minute intervals represent what Harris describes as a “photographic heartbeat”, a visual metaphor he extends to plot the sequence of images to the rhythm of the human emotions experienced—including moments of intense adrenaline where the heartbeat quickens to up to 37 photographs in the five minute period, mimicking Harris’s own heartbeat.

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The Whale Hunt is a particularly compelling example of interactive documentary storytelling. Harris captures his story through an arresting array of images and skillfully uses interactive tools and interface conventions to allow the user to experience the narrative according to their own sensibilities. He exploits a wealth of content (3,214 images!) and associated metadata and offers unique interface elements to give the viewer the ability to constrain their viewing according to the keyword categories of cadence, color, concept, context and cast. By using multiple constraints the viewer can shape different sub-stories and, for example, view a sequence about ‘whales’ (concept), ‘arctic ocean’ (context), ‘Howard ‘(cast) and ‘frantic’ (cadence) that results in a story of 19 images.

In addition to the primary viewing interface of individual sequenced images, Harris also created three other visualization modes to browse the full data set: Mosaic, Timeline, and Pinwheel. The Mosaic mode presents all 3,214 images in a colorful tiled-format, making locations evident through color gradients. Any single image can be clicked and viewed from the layout. The Timeline mode displays all the images as tiny individual blocks in the heartbeat visual timeline. Where the rhythm spikes indicates a period of intensity where more photos were taken during that 30-minute period, mimicking the emotional intensity of the human experience of the events at the same time. Similarly, the Pinwheel mode displays all 3,214 images in chronological order yet in 20-minute intervals.

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Finally, Harris employs custom typography and iconography throughout the interactive narrative. He created a series of artfully-design icons, including the Bowhead whale icon and a pair of harpoon heads used to navigate as part of the constraints feature, to filter and shape sub-stories. A custom typography system was designed uniquely for this project and brings visual cohesion where each letterform is bisected by a whaling harpoon.

The full result is a striking experience for the viewer and achieves what Harris presents as his three-fold documentary and narrative intent: (1) to experiment with a new interface for human storytelling, (2) to reverse roles where the artist takes on incessant data collection and automated activity that the computer usually does, and (3) to take an epic personal experience from the physical world and translate it optimally to the Internet, so that many people can share it.



The Whale Hunt

L’artiste Jonathan Harris décrit The Whale Hunt comme étant une expérimentation de d’histoire humaine.  Ce remarquable projet interactif contient 3214 photographies documentant la tradition, vieille de mille ans, de chasse à la baleine par les Inupiats. En mai 2007, Harris a vécu pendant neuf jours avec une famille d’Inupiat à Barrow, Alaska.  The Whale Hunt raconte le voyage intrépide d’Harris qui prenait une photo toutes les cinq minutes (même en dormant à l’aide d’un chronomètre), en débutant lors de son départ de Brooklyn, NY en taxi et finissant avec la boucherie de la deuxième baleine.  Harris décrit les premiers intervalles de cinq minutes comme étant des « battements de cœur » photographiques, une métaphore visuelle qu’il utilise dans la manière dont il fait suivre les séquences d’images en synchronicité avec les émotions humaines ressenties – incluant d’intenses moments d’adrénaline durant lesquels le rythme cardiaque accélère pour atteindre jusqu’à 37 photographies par période de cinq minutes, suggérant le battement de cœur d’Harris.

The Whale Hunt est un fascinant exemple de documentaire interactif.  Harris raconte son histoire à travers une saisissante variété d’images et utilise avec soin des outils interactifs et des interfaces permettant aux spectateurs de vivre l’aventure au gré de leurs propres sensibilités.  La richesse de son contenu (3124 images!) est exploitée grâce aux métadonnées associées aux images et mariées à d’uniques éléments d’interface permettant au spectateur de contrôler son visionnement à l’aide de catégories de mots clés ayant trait à la cadence, la couleur, le concept, le contexte et les personnages.  En utilisant de nombreuses restrictions, l’utilisateur peut créer différentes sous-histoires et, par exemple, voir une séquence sur les ‘baleines’ (concept), ‘l’océan arctique’ (contexte), ‘Howard’ (personnage) et la ‘frénésie’ (cadence) ce qui donne comme résultat une histoire de 19 images.

En plus de la principale interface de visionnement qui présente les images en séquences individuelles, Harris a aussi créé trois autres modes de visionnement permettant de consulter l’ensemble complet de données : Mosaïque, Ligne et Roue.  Le mode Mosaïque présente la totalité des 3214 images en format ‘tuiles’ colorées, rendant les différents lieux évidents à identifier en se fiant aux gradations de couleurs.  N’importe quelle des images peut être cliquée et vue à partir de cet agencement. Le mode Ligne présente toutes les images en petits blocs individuels placée sur une ligne de temps visuellement semblable à celle d’un rythme cardiaque.  Lorsque le rythme augmente, ceci indique une période intense durant laquelle plus de photos ont été prises par période de 30 minutes, suggérant l’intensité de l’expérience humaine pendant ce temps.  La Roue représente de manière similaire les 3214 images en ordre chronologique tout en les séparant par intervalles de 20 minutes.

De plus, Harris utilise une typographie et une iconographie personnalisé à travers sa trame narrative interactive.  Il a créé une série d’icônes dessinés de manière artistique, incluant l’icône de la baleine Bowhead et deux têtes d’harpons utilisés afin de naviguer à travers les contraintes, filtrer et modeler les sous-histoires.  Une typographie a été créée sur mesure uniquement pour ce projet afin d’apporter une certaine cohésion visuelle.  Chaque lettre est donc traversée par un harpon de chasse.

Il en résulte une expérience unique et frappante pour le spectateur et qui permet à Harris de concrétiser son intention narrative qu’il décrit comme étant un documentaire en trois parties : (1) expérimenter avec de nouvelles interfaces pour les histoires humaines, (2) renverser les rôles, rendant ainsi l’artiste responsable de l’accumulation de données et des activités d’automatisation qui sont habituellement faites par ordinateur, et (3) de transmettre par Internet une expérience personnelle épique de manière à permettre aux gens de la partager.